Duel fit découvrir Steven Spielberg juste avant la réalisation de Sugarland Express. Dans ce téléfilm, dont le scénario est signé Richard Matheson, Dennis Weaver incarne un aimable représentant qui contrarie involontairement un chauffeur de semi-remorque. Le camion ne se contente pas de le poursuivre, il essaie de l'envoyer dans le décor. Quoi que l'automobiliste tente pour se débarrasser du routier fou (se ranger, s'arrêter pour déjeuner, prévenir la police), rien n'y fait. Dans ce suspense qui va crescendo, Spielberg ne dévoile jamais le visage du chauffeur, le camion devient un personnage à part entière, lancé dans la traque diabolique de sa proie humaine. Steven Spielberg accumule les scènes d'anthologie avec très peu de moyens, nous laissant ainsi présager son génie de narrateur. -Marshall Fine.

Dernier film d'Alfred Hitchcock, Complot de famille est une "comédie thriller" selon les termes du cinéaste. Au fur et à mesure de l'avancée du film, les malfaiteurs s'humanisent, et les individus biens se rapprochent du comportement des criminels. Le réalisateur s'amuse dans ce film à injecter une bonne dose d'humour macabre pour rendre l'ensemble plus léger, et montre encore une certaine inventivité formelle dans des prises de vue audacieuses. Cependant, on sent Hitchcock moins à l'aise que par le passé face aux contraintes nouvelles imposées par les studios. Le film se ressent, dans sa structure, moins précise qu'auparavant, de la liberté restreinte laissée au réalisateur. -Christophe Gagnot.

On retrouve dans Les Oiseaux toute la maîtrise technique d'Alfred Hitchcock, alors au sommet de sa gloire, alliée à un scénario ambitieux faisant de ce classique du cinéma un authentique chef-d'œuvre. Abordant un cinéma de genre, l'épouvante, Les Oiseaux en dépasse largement les limites. En toile de fond de cette terrifiante histoire d'oiseaux tueurs, le film dévoile progressivement d'autres enjeux. D'abord une lutte entre le bien et le mal ; si l'on considère le film comme une fable écologique, les oiseaux incarnent la nature rebelle que l'homme ne peut et ne doit pas toujours contrôler. Isolés, les corbeaux demeurent de sympathiques oiseaux. En groupe, ils deviennent bientôt une force menaçante. Le film est ensuite une réflexion sur le couple et les rapports humains; à travers l'intrusion de Mélanie dans le triangle composé de Mitch, de sa mère et de son ex- fiancée, Hitchcock profite du contexte de danger pour mettre à jour la personnalité de chaque protagoniste. Mais si l'impact du film reste encore très grand aujourd'hui c'est avant tout dû aux effets visuels et sonores très novateurs pour l'époque. Faisant appel aux truqueurs les plus inventifs du cinéma et du dessin animé afin de rendre réalistes les attaques des oiseaux, Hitchcock utilisa à la fois de véritables volatiles et des robots mécaniques. La bande-son contribue également à donner au film son aspect angoissant et traumatisant : le compositeur Bernard Herrmann (Psychose) n'a pas hésité à substituer à la musique un mélange de sons électroniques assez stressant. [+]

En réalisant lui-même le remake de sa propre version de 1934, Alfred Hitchcock ne fait pas qu'approfondir ou moderniser une brillante mécanique. Il réalise là une oeuvre tout à fait originale. Outre un suspense mené avec brio – la mémorable scène d'une tentative d'assassinat lors d'un concert à l'Albert Hall de Londres en constitue LE morceau d'anthologie, avec son fameux coup de cymbales sur une orchestration effectuée par son fidèle Bernard Herrmann –, le maître du suspense y réintroduit des notations personnelles : le couple en danger, sa dissolution possible face aux dangers de la vie, sa fascination pour les héroïnes blondes. Autre morceau d'anthologie : la célèbre chanson "Que sera sera" montée en parallèle dans la scène finale et qui obtient l'Oscar en 1956. Epaulé par son chef opérateur favori Robert Burks à la photo pour un splendide Technicolor, par James Stewart – Fenêtre sur cour, La Corde– et Doris Day en mère angoissée et émouvante à l'interprétation, Sir Alfred réussit un excellent divertissement, qu'il qualifie lui-même de "tranche de gâteau". Et s'il ne s'agit pas d'une pièce majeure dans l'œuvre de Hitch, à l'instar de Vertigo ou Soupçons, on y prend un réel plaisir. -Sylvain Lefort.

Stanley Kubrick n'avait que trente et un ans lorsque Kirk Douglas (déjà à l'affiche des Sentiers de la gloire, du même Kubrick) a recruté le jeune réalisateur pour diriger cette saga épique, dans laquelle l'esclave rebelle Spartacus (joué par Douglas) mène une révolte pour la liberté contre l'Empire romain décadent. Stanley Kubrick devait désavouer le film plus tard car n'étant pas un projet personnel (il n'était qu'un réalisateur offrant ses services), mais Spartacus reste un des plus grands films historiques de Hollywood. Sur un scénario intelligent de l'écrivain mis sur la liste noire Dalton Trumbo (à partir d'un roman de Howard Fast), le message d'intégrité morale et de courage de convictions reste aussi puissant. La distribution de stars (notamment Charles Laughton) est pleine de surprises. Complètement restauré en 1991 pour inclure des scènes de batailles supprimées de la première version de 1960, le Spartacus complet est une merveilleuse et grandiose oeuvre de cinéma, avec certaines des plus belles batailles jamais filmées et une interprétation émouvante et héroïque de Kirk Douglas. Jean Simmons incarne une esclave qui se marie avec Spartacus. Peter Ustinov est inoubliable dans son interprétation hilarante de marchand d'esclaves, pour laquelle il a remporté un oscar. Cette version restaurée, qui dure plus de trois heures, comporte également une scène dans des bains, qui avait été supprimée, dans laquelle Laurence Olivier joue le rôle d'un sénateur romain bisexuel excité par un esclave joué par Tony Curtis. - -Jeff Shannon.

Si quelque chose a mal vieilli dans Scarface, ce sont les décors et les costumes d'Al Pacino. Pour le reste, cette description de l'irrésistible ascension de Tony Montana, et sa chute tout aussi inéluctable, n'a rien perdu de ce qui faisait la force du film de de Palma. À commencer par un scénario en béton, signé Oliver Stone – et librement inspiré du chef-d'oeuvre d'Howard Hawks du même nom –, qui montre sa parfaite connaissance des ravages de la coke sur le système nerveux. La mise en scène, remarquable de précision, de Brian de Palma n'est finalement pas si grandiloquente que l'on a voulu le dire à l'époque, hormis peut-être dans l'ahurissant épilogue, qui n'est pas sans rappeler la dernière scène de La Horde sauvage. Les seconds rôles sont impeccables : Steven Bauer, Mary Elisabeth Mastrantonio et Michèle Pfeiffer, étonnamment crédible en bimbo désespérée. Enfin, et surtout, Al Pacino démontre pendant près de trois heures qu'il est l'égal des plus grands. Sa performance est époustouflante, et on assiste à sa descente aux enfers avec une fascination mêlée d'admiration. Un très grand moment de cinéma, d'autant plus brillant que parfaitement réaliste. On comprend pourquoi Scarface est toujours un film culte dans certaines banlieues chaudes. -Michaël Cuq Sur un scénario signé Oliver Stone, le Scarface de De Palma est un remake assumé d'un classique des années 30. [+]

Laissez-vous surprendre ! Retour vers le futur commence comme une comédie d'ados à l'américaine (les baskets, le blouson de base-ball, la guitare, le lycée. ) et dérape vite vers le fantastique déluré et la parodie malicieuse. Fils spirituel de Spielberg, Zemeckis n'a pas peur de pousser le bouchon assez loin, avec talent, là où d'autres en seraient restés à la série TV. Michael J. Fox trouve le rôle qui lui permet de passer d'une notoriété de série TV au statut de star mondiale. Son interprétation impeccable lui vaudra d'ailleurs d'être à nouveau le centre des deux suites données au film, avec le même succès. Dans son genre (drôle, vif, soutenu et astucieux), Retour vers le futur est une réussite qui convient à tous et qui va par trois. - Ambroise Ecorcheville.

Considéré comme un film mineur dans la carrière d'Alfred Hitchcock, La Corde n'en est pas moins un excellent thriller. On y retrouve tout le savoir-faire du maître du suspense qui s'est pour l'occasion imposé une contrainte de taille : tourner le film en un seul plan séquence. Il en résulte un huis clos d'une intensité dramatique très forte. Dès le début du film le spectateur est témoin d'un crime odieux dont le mobile n'est autre que le plaisir, et se retrouve aussitôt embarqué malgré lui dans une sinistre mise en scène opérée par les deux assassins, Philip et surtout Brandon. Hitchcock s'amuse alors avec le spectateur dont la frustration, causée par son impuissance face à la situation, ne cesse de croître à mesure que le film avance. La Corde se déroule en temps réel, aucune ellipse ne vient stopper l'implacable processus dramatique, le rythme du film est celui de l'action et, peu à peu, ce qui ressemblait à une amusante démonstration d'une théorie nietzschéenne qui ne l'est pas – les êtres supérieurs ont le droit de supprimer un être inférieur – devient une angoissante recherche de la vérité. En faisant du spectateur un témoin muet, Hitchcock le rend pour ainsi dire complice de Philip et Brandon. Enfin ce huis clos est servi par une interprétation sans faille des comédiens emmenés par l'étonnant John Dall dans le rôle de Brandon et le toujours juste James Stewart. -Christophe Gagnot.

Dans son livre, surévalué, de 1998, Easy Rider, Raging Bull, Peter Biskind dénonce la mentalité commerciale entourant les superproductions hollywoodiennes. Cette triomphale adaptation du best-seller de Peter Benchley est au coeur de la polémique. Mais on ne va tout de même pas en vouloir à Steven Spielberg d'avoir réalisé une oeuvre palpitante. Ce récit d'une ville du Long Island dont l'économie se trouve soudainement menacée par les attaques d'un grand requin blanc sur les estivants évite toutes les banalités du roman de Benchley. Spielberg offre directement au spectateur ce qu'il recherche, c'est-à-dire des scènes haletantes d'action et de suspense, remarquablement dirigées et agrémentées d'une brillante distribution : Roy Scheider (le shérif), Richard Dreyfuss (un spécialiste des squales) et surtout Robert Shaw (dans le rôle du vieux loup de mer proposant son aide pour chasser le requin). Les séquences à bord de son bateau - alors que les trois passagers se rendent compte qu'en réalité c'est le requin qui les chasse - résument parfaitement ce qu'est le cinéma de divertissement. -Marshall Fine.

Tiré du livre de Nikos Kazantzakis qui, à sa sortie, en 1959, valut à son auteur la menace d'une excommunication, La Dernière Tentation du Christ fit également l'objet d'un scandale et même, en France, fut à l'origine de l'incendie d'une salle de cinéma par des intégristes espérant en empêcher la diffusion. Le thème du film réalisé par Martin Scorsese ne peut en effet que susciter la polémique, puisqu'il nous montre un Christ avant tout humain, rongé par le doute, ne découvrant et n'acceptant que peu à peu son destin, et nous dévoilant Judas en véritable ami que Jésus lui-même pousse à la trahison… Avec Michael Baulhaus à la photographie, Peter Gabriel à la musique et le fantastique duo d'acteurs Willem Dafoe et Harvey Keitel (respectivement Jésus et Judas), Scorsese nous livre une fresque bouleversante et émouvante, un nouveau regard sur une histoire universelle. Si le film reste formidable, on regrettera toutefois l'absence de bonus sur cette édition française. -David Rault.

Le problème avec Harry, c'est qu'il est mort. Tel un cartoon, Mais qui a tué Harry ? présente un large panel de personnages, soit drôles, soit agaçants, qui ont la particularité commune de complètement se désintéresser du pauvre cadavre qu'ils rencontrent à tour de rôle. Le mort, Harry, une fois identifié, devient la cause de multiples stratagèmes destinés à le cacher. Il est d'abord enterré puis déterré, enterré à nouveau… Rarement l'humour grinçant d'Alfred Hitchcock n'a pu s'exprimer autant que dans Mais qui a tué Harry ?, une de ses vraies comédies qu'il citait souvent comme étant un de ses films préférés. D'autre part, la joyeuse partition de Bernard Herrmann complète parfaitement l'humour noir de cette étrange histoire, et le charme affiché par la débutante Shirley McLaine rompt avec les héroïnes "glacées" présentes dans les autres films d'Hitchcock. -Christophe Gagnot.