Si quelque chose a mal vieilli dans Scarface, ce sont les décors et les costumes d'Al Pacino. Pour le reste, cette description de l'irrésistible ascension de Tony Montana, et sa chute tout aussi inéluctable, n'a rien perdu de ce qui faisait la force du film de de Palma. À commencer par un scénario en béton, signé Oliver Stone – et librement inspiré du chef-d'oeuvre d'Howard Hawks du même nom –, qui montre sa parfaite connaissance des ravages de la coke sur le système nerveux. La mise en scène, remarquable de précision, de Brian de Palma n'est finalement pas si grandiloquente que l'on a voulu le dire à l'époque, hormis peut-être dans l'ahurissant épilogue, qui n'est pas sans rappeler la dernière scène de La Horde sauvage. Les seconds rôles sont impeccables : Steven Bauer, Mary Elisabeth Mastrantonio et Michèle Pfeiffer, étonnamment crédible en bimbo désespérée. Enfin, et surtout, Al Pacino démontre pendant près de trois heures qu'il est l'égal des plus grands. Sa performance est époustouflante, et on assiste à sa descente aux enfers avec une fascination mêlée d'admiration. Un très grand moment de cinéma, d'autant plus brillant que parfaitement réaliste. On comprend pourquoi Scarface est toujours un film culte dans certaines banlieues chaudes. -Michaël Cuq Sur un scénario signé Oliver Stone, le Scarface de De Palma est un remake assumé d'un classique des années 30. [+]

Comédie populaire à succès, Pédale douce reprend le thème de l'homosexualité pour faire rire, comme l'avait fait Jean Poiret avec La Cage aux folles. Et curieusement, les scènes les plus drôles ne sont pas celles où les homos paradent. Ce sont plutôt les quiproquos qui font sourire. Obligé de caricaturer ces personnages pour le genre choisi, Gabriel Aghion ne passe donc pas au travers des clichés habituels sur les homosexuels (maniérés, travestis, etc. ). On peut ainsi s'agacer d'un Patrick Timsit aux accents "pédale" un peu forcés ou, pour les plus magnanimes, apprécier son numéro de chanteur torse nu devant les policiers. Dans un registre un peu plus discret, Jacques Gamblin - auteur d'un des plus grands strip-tease de l'histoire du cinéma - et Richard Berry sont réellement impeccables. Pédale douce est un film distrayant, sans prétention aucune, qui aurait sans doute pu être encore plus drôle, mais n'a pas volé son extraordinaire succès. -Joël Foulet.

La performance de John Travolta est le meilleur argument pour voir ce film très émouvant. Travolta joue le rôle d'un mécanicien qui, une nuit, voit une lumière brillante dans le ciel et se réveille en génie le matin suivant. L'aspect le plus intéressant de l'histoire concerne cependant les relations du héros avec ses voisins et amis de longue date, qui le rejettent parce qu'il est devenu différent. Robert Duvall est émouvant dans le rôle du docteur connaissant Travolta depuis toujours, et Kyra Sedgwick est très bonne dans son rôle ambivalent d'amoureuse. Si vous avez raté ce film lors de sa sortie, vous êtes passé à côté d'un des meilleurs rôles de John Travolta depuis son retour à l'écran. Voici l'occasion d'une séance de rattrapage. -Tom Keogh.

Au début, la candeur de Forrest Gump fait de lui un individu amusant. Pourtant, à mesure que le film avance, elle le transforme en un personnage attachant, un ami que l'on voudrait protéger. Il est déconcertant, nous perd sans qu'on sache très bien s'il faut en rire ou en pleurer. Très vite, on comprend qu'il faut en définitive se laisser porter par l'univers de Forrest. Accepter avec délices qu'il passe du Vietnam aux crevettes, du Ping-Pong aux routes d'Amérique. Puis, d'attachant, il finit par devenir émouvant. Certes, il est un peu simple, mais il est capable d'éprouver des sentiments. Et c'est bien là le principal. La prestation de Tom Hanks surpasse celle de tous ses autres films. Pour le reste, on saluera la belle histoire du roman de Winston Groom dont le film est tiré. [+]

Cette fable extravagante d'Adrian Lyne sur un danseur qui doit travailler comme ouvrier métallurgiste pour payer ses factures convenait parfaitement aux superproductions musicales très en vogue dans les années quatre-vingt, comme Footloose et Top Gun. Soutenu par la musique phénoménale et aérobic de Giorgio Moroder, Flashdance est à la fois diablement emphatique et merveilleusement irrésistible. On oublie vite la légèreté de l'intrigue et des dialogues en voyant Jennifer Beals taper du pied comme un marteau piqueur. Plusieurs scènes sont devenues classiques : Beals swinguant sur le "Maniac" de Michael Sembello ou celle quasi mythique où l'actrice est aspergée d'un seau d'eau sur scène. Flashdance ne tombe jamais dans le ridicule de la pop à paillettes style Xanadu d'Olivia Newton John. Et comment ne pas apprécier le film qui a démocratisé les jambières en laine ? -Ethan Brown.

Jamais la guerre n'a été filmée avec tant de tripes, de réalisme et d'humanité que par Steven Spielberg. La preuve ? cette première demi-heure, qui entre directement dans l'histoire du cinéma. En filmant le débarquement américain sur les côtes normandes le 6 juin 1944, rarement la barbarie et la violence n'ont surgi avec tant de force. Les balles qui sifflent à tout va, l'eau qui gicle, la pluie qui tombe, le sang qui éclabousse l'objectif, les cris, le cliquetis des armes, la peur et le courage qui se lisent sur les visages – une impression de réalité inégalée. Pour ce faire, le réalisateur de La Liste de Schindler et son chef opérateur, Janusz Kaminski, ont opté pour un style documentaire : caméra portée à l'épaule, travail sur la pellicule et objectifs pour donner le style et la couleur du reportage d'époque (couleurs travaillées pour feindre l'usure, teintes ocre et verdâtres), une bande sonore riche et complexe. Si la suite du film est plus convenue, de magnifiques moments de cinéma dignes des plus grands (Walsh, Ford, Fuller) éclairent le récit : les dactylos rédigeant à la chaîne les félicitations de l'État aux familles des soldats morts pour la patrie ; l'effondrement d'une mère de famille à l'arrivée d'une voiture d'officiels venus lui annoncer la mort de son fils ; les soldats au repos écoutant Édith Piaf sur un phonographe. Ni patriotique, ni pacifiste : un film à hauteur d'homme, moral et réaliste, humain et bouleversant, qui a récolté cinq oscars en 1999, dont ceux du meilleur réalisateur, meilleure photo et meilleur son. -Sylvain Lefort.

Le film impressionne d'abord par l'incroyable prestation de Robert De Niro, qui s'est entraîné au point de devenir, au dire de Jake La Motta lui-même, digne d'un boxeur professionnel, puis s'est astreint à une cure de "grossissement" pour incarner son personnage vieillissant. Mais cette ahurissante performance d'acteur serait vaine si elle n'avait pour but de donner sa consistance à un récit profondément pathétique, à savoir l'ascension et la déchéance d'un personnage incapable de maîtriser son propre destin. Or le film de Scorsese va bien au-delà de la simple biographie d'un champion de boxe, et au- delà même de l'évocation d'un univers frelaté dont les vedettes ne sont guère que des pantins. Il y a évidemment cela dans Raging Bull mais il y a surtout une grande leçon de morale. -Michel Marmin.

Le monde entier est aux aguets dès que Truman Burbank bouge le petit doigt. Sans que notre héros le sache, sa vie est depuis toujours un feuilleton sans fin auquel assiste le monde entier. Et tous ceux qu'il côtoie – y compris sa mère, son épouse, et son meilleur ami – sont en réalité des acteurs, rémunérés pour interpréter un rôle dans sa vie. Dans ce film intrigant et bizarrement émouvant qui date de 1998, l'auteur Andrew Niccol imagine une forme extrême de renommée, et la voit s'animer sous les traits de Jim Carrey, qui livre peut-être ici la meilleure performance de sa carrière. Il apporte au rôle une grande intensité comique et des émotions très sincères. Carrey est soutenu par une distribution exceptionnelle, où on retrouve Laura Linney et Ed Harris, mais le spectacle lui est entièrement dédié, et ce portrait apporte la démonstration de la vaste palette de ses talents. -Marshall Fine.